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Frida Kahlo: su vida en 10 obras

Un día como hoy nació Frida Kahlo, una de la artista mexicana más representativas de su país. Con una vida marcada por la tragedia, la artista se dedicó a contarla a través de sus obras.

  • 06 julio 2017 /
  • Redacción
  • Un 06 de julio nació Frida Kahlo, una de la artista mexicana más representativas de su país. <br/>La vida de Frida estuvo llena de desgracias y desafíos, momentos que se ven plasmados en sus obras.<br/><br/>Ella misma declaró que sus pinturas no reflejaban sueños o imágenes surrealistas, aunque así lo pareciera, sino que eran representaciones de su propia vida y de sus emociones: “Me pinto a mí misma porque soy a quien mejor conozco”.<br/><br/>Conoce la historia de la artista a través de 10 de sus obras:
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    Un 06 de julio nació Frida Kahlo, una de la artista mexicana más representativas de su país.
    La vida de Frida estuvo llena de desgracias y desafíos, momentos que se ven plasmados en sus obras.

    Ella misma declaró que sus pinturas no reflejaban sueños o imágenes surrealistas, aunque así lo pareciera, sino que eran representaciones de su propia vida y de sus emociones: “Me pinto a mí misma porque soy a quien mejor conozco”.

    Conoce la historia de la artista a través de 10 de sus obras:
  • 1. En 'La Columna Rota' Frida se dibujó a sí misma desnuda de la cintura para arriba, con un corsé de acero que le fue ordenado para sujetar su cuerpo. Tras las correas del corsé, una enorme abertura recorre su torso para dejar al descubierto su columna rota. Hay clavos incrustados en todo su cuerpo y uno especialmente grande en su corazón, mostrando que no todo su sufrimiento era físico, sino que también soportaba una enorme tristeza.
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    1. En 'La Columna Rota' Frida se dibujó a sí misma desnuda de la cintura para arriba, con un corsé de acero que le fue ordenado para sujetar su cuerpo. Tras las correas del corsé, una enorme abertura recorre su torso para dejar al descubierto su columna rota. Hay clavos incrustados en todo su cuerpo y uno especialmente grande en su corazón, mostrando que no todo su sufrimiento era físico, sino que también soportaba una enorme tristeza.
  • 2. 'Autorretrato con el pelo suelto'- 'Aquí me pinté yo, Frida Kahlo, con mi reflejo en el espejo. Tengo 37 años y es Julio de 1947. En Coyoacán, México, el sitio en donde nací', reza una banda en la parte inferior de la pintura. Es sin duda una obra en la que busca reforzar su identidad, como lo indica su presencia en primer plano y la mención de su lugar de nacimiento. <br/><br/>Pocas veces Frida se pintó de manera que se pudiera apreciar su cabellera, pero al hacerlo en este autorretrato sabemos que buscó agradar a Diego, quien adoraba su pelo largo y abundante.<br/>
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    2. 'Autorretrato con el pelo suelto'- 'Aquí me pinté yo, Frida Kahlo, con mi reflejo en el espejo. Tengo 37 años y es Julio de 1947. En Coyoacán, México, el sitio en donde nací', reza una banda en la parte inferior de la pintura. Es sin duda una obra en la que busca reforzar su identidad, como lo indica su presencia en primer plano y la mención de su lugar de nacimiento.

    Pocas veces Frida se pintó de manera que se pudiera apreciar su cabellera, pero al hacerlo en este autorretrato sabemos que buscó agradar a Diego, quien adoraba su pelo largo y abundante.
  • 3. 'Diego y Frida': Frida pintó este doble retrato como regalo para su marido Diego en su quinceavo aniversario de bodas. Más tarde pintó otra versión del mismo para quédasela ella. Las fechas en el titulo, 1929-1944 representan los años de matrimonio (excluyendo el breve período en el cual estuvieron divorciados, 1939-1940). La pintura expresa el amor de Frida por Rivera, mostrándolos no sólo como una pareja, sino como una sola persona. <br/><br/>Las dos mitades de la cara se complementan. Frida fusiona su identidad con la suya, creando una sola cabeza de cada una de las mitades de sus caras, unidas por ramas sin hojas. En la doble relación entre marido y mujer, reiterada en la luna y el sol, la pareja Kahlo-Rivera es mostrada como si pertenecieran juntos. Más abajo, la concha y vieira unidas simbolizan su unión amorosa.
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    3. 'Diego y Frida': Frida pintó este doble retrato como regalo para su marido Diego en su quinceavo aniversario de bodas. Más tarde pintó otra versión del mismo para quédasela ella. Las fechas en el titulo, 1929-1944 representan los años de matrimonio (excluyendo el breve período en el cual estuvieron divorciados, 1939-1940). La pintura expresa el amor de Frida por Rivera, mostrándolos no sólo como una pareja, sino como una sola persona.

    Las dos mitades de la cara se complementan. Frida fusiona su identidad con la suya, creando una sola cabeza de cada una de las mitades de sus caras, unidas por ramas sin hojas. En la doble relación entre marido y mujer, reiterada en la luna y el sol, la pareja Kahlo-Rivera es mostrada como si pertenecieran juntos. Más abajo, la concha y vieira unidas simbolizan su unión amorosa.
  • 4. 'Henry Ford Hospital': El 4 de Julio de 1932, Frida sufrió un aborto involuntario en el hospital Henry Ford en Detroit. En éste turbador trabajo, Kahlo se pintaba a sí misma acostada en una cama de hospital después del aborto involuntario. <br/>La figura en el retrato está desnuda, las sábanas que se ven debajo de ella están ensangrentadas y una gran lagrima cae de su ojo izquierdo. La cama y su triste habitante flotan en un espacio abstracto, rodeado por seis imágenes en círculo relacionadas con la pérdida. <br/><br/>Todas las imágenes están ligadas a filamentos de color rojo-sangre que ella sostiene contra su estómago, como si fueran cordones umbilicales. La imagen principal es un feto masculino perfectamente formado, el pequeño 'Dieguito' que ella deseaba tanto tener. La orquídea fue un regalo de Diego. 'Cuando yo lo pinté, tenia la idea de una cosa sexual mezclada con lo sentimental'. El caracol, Frida explicó, alude al lento aborto involuntario. El torso femenino de yeso color salmón, Frida explicó que era su 'idea de cómo explicar el interior de una mujer'. La máquina de aspecto cruel que ella inventó 'para explicar la parte mecánica de todo el asunto'. Finalmente, en la esquina inferior derecha es su pelvis fracturada que hizo imposible para ella tener hijos.
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    4. 'Henry Ford Hospital': El 4 de Julio de 1932, Frida sufrió un aborto involuntario en el hospital Henry Ford en Detroit. En éste turbador trabajo, Kahlo se pintaba a sí misma acostada en una cama de hospital después del aborto involuntario.
    La figura en el retrato está desnuda, las sábanas que se ven debajo de ella están ensangrentadas y una gran lagrima cae de su ojo izquierdo. La cama y su triste habitante flotan en un espacio abstracto, rodeado por seis imágenes en círculo relacionadas con la pérdida.

    Todas las imágenes están ligadas a filamentos de color rojo-sangre que ella sostiene contra su estómago, como si fueran cordones umbilicales. La imagen principal es un feto masculino perfectamente formado, el pequeño 'Dieguito' que ella deseaba tanto tener. La orquídea fue un regalo de Diego. 'Cuando yo lo pinté, tenia la idea de una cosa sexual mezclada con lo sentimental'. El caracol, Frida explicó, alude al lento aborto involuntario. El torso femenino de yeso color salmón, Frida explicó que era su 'idea de cómo explicar el interior de una mujer'. La máquina de aspecto cruel que ella inventó 'para explicar la parte mecánica de todo el asunto'. Finalmente, en la esquina inferior derecha es su pelvis fracturada que hizo imposible para ella tener hijos.
  • 5. 'El abrazo de amor del universo': El tema de esta pintura contiene muchos elementos que se derivan de la antigua mitología Mexicana. La incapacidad de Frida para tener niños la empujó a adoptar un papel maternal en lo que respecta a Diego. En el centro de la pintura, como una Madonna, sostiene a su esposo Diego en un abrazo amoroso, que ilustra la relación combinada de hombres y mujeres. Aunque la mujer es la figura que alimenta la vida, el hombre tiene el tercer ojo de la sabiduría en su frente, por lo que dependen el uno del otro.<br/><br/>Abrazando a la pareja humana esta la madre tierra Azteca, Cihuacoatl, hecha de barro y piedra. La figura que está en la parte más externa , la Madre Universal, abraza a Cituacoatl. En primer plano,el perro Itzcuintli Señor Xolotl es más que simplemente una de las mascotas favoritas de la artista: representa a Xolotl, un ser en la forma de un perro que guarda el mundo subterráneo. <br/><br/>En esta pintura, Frida presenta a la vida, muerte, noche, día, luna, sol, hombre y mujer, todos en una dicotomía recurrente que está profundamente ligada y se mantiene unida gracias a dos poderosos seres mitológicos.
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    5. 'El abrazo de amor del universo': El tema de esta pintura contiene muchos elementos que se derivan de la antigua mitología Mexicana. La incapacidad de Frida para tener niños la empujó a adoptar un papel maternal en lo que respecta a Diego. En el centro de la pintura, como una Madonna, sostiene a su esposo Diego en un abrazo amoroso, que ilustra la relación combinada de hombres y mujeres. Aunque la mujer es la figura que alimenta la vida, el hombre tiene el tercer ojo de la sabiduría en su frente, por lo que dependen el uno del otro.

    Abrazando a la pareja humana esta la madre tierra Azteca, Cihuacoatl, hecha de barro y piedra. La figura que está en la parte más externa , la Madre Universal, abraza a Cituacoatl. En primer plano,el perro Itzcuintli Señor Xolotl es más que simplemente una de las mascotas favoritas de la artista: representa a Xolotl, un ser en la forma de un perro que guarda el mundo subterráneo.

    En esta pintura, Frida presenta a la vida, muerte, noche, día, luna, sol, hombre y mujer, todos en una dicotomía recurrente que está profundamente ligada y se mantiene unida gracias a dos poderosos seres mitológicos.
  • 6. 'Sin esperanza': “A mí no me queda ya ni la menor esperanza… Todo se mueve al compás de lo que encierra la panza”. Esta frase está escrita detrás de la pintura que data de 1945, cuando Frida tuvo que permanecer en reposo completo y mantuvo una dieta de purés cada dos horas para hacerla engordar, pues la falta de apetito, consecuencia de operaciones y enfermedades la había dejado sumamente delgada. <br/><br/>Frida retrató en este óleo una estructura de madera que sostiene un embudo que la alimenta continuamente, destaca la calavera de azúcar en lo alto del embudo y la manta que cubre su cuerpo decorada con vida microscópica. <br/>
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    6. 'Sin esperanza': “A mí no me queda ya ni la menor esperanza… Todo se mueve al compás de lo que encierra la panza”. Esta frase está escrita detrás de la pintura que data de 1945, cuando Frida tuvo que permanecer en reposo completo y mantuvo una dieta de purés cada dos horas para hacerla engordar, pues la falta de apetito, consecuencia de operaciones y enfermedades la había dejado sumamente delgada.

    Frida retrató en este óleo una estructura de madera que sostiene un embudo que la alimenta continuamente, destaca la calavera de azúcar en lo alto del embudo y la manta que cubre su cuerpo decorada con vida microscópica.
  • 7. En 'Autorretrato con collar de espinas', Frida se pinta a si misma de frente para realzar su presencia. Ha estirado la corona de espinas de Cristo y la lleva como un collar, presentándose como una mártir cristiana. Las espinas que se hunden en su cuello son símbolos del dolor que todavía siente debido al divorcio de Diego. Colgando del collar de espinas hay un colibrí muerto, cuyas alas extendidas imitan las cejas de Frida. En la tradición folklórica mexicana, los colibríes muertos eran usados como símbolos de buena suerte en amores. Sobre su hombre izquierdo hay un gato negro, símbolo de mala suerte y muerte; el gato está esperando el saltar sobre el colibrí. Sobre su hombro derecho esta su mono; un símbolo del diablo...y un regalo de Diego. Alrededor de su pelo, las mariposas representan la resurrección. De nuevo, Frida usa un muro de enormes plantas tropicales como fondo.<br/>
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    7. En 'Autorretrato con collar de espinas', Frida se pinta a si misma de frente para realzar su presencia. Ha estirado la corona de espinas de Cristo y la lleva como un collar, presentándose como una mártir cristiana. Las espinas que se hunden en su cuello son símbolos del dolor que todavía siente debido al divorcio de Diego. Colgando del collar de espinas hay un colibrí muerto, cuyas alas extendidas imitan las cejas de Frida. En la tradición folklórica mexicana, los colibríes muertos eran usados como símbolos de buena suerte en amores. Sobre su hombre izquierdo hay un gato negro, símbolo de mala suerte y muerte; el gato está esperando el saltar sobre el colibrí. Sobre su hombro derecho esta su mono; un símbolo del diablo...y un regalo de Diego. Alrededor de su pelo, las mariposas representan la resurrección. De nuevo, Frida usa un muro de enormes plantas tropicales como fondo.
  • 8. 'Las dos Fridas' (1939): Poco después de su divorcio de Diego Rivera, Frida completó este autorretrato de dos diferentes personalidades. En su diario, Frida escribe que el origen de este cuadro está en sus recuerdos de un amigo imaginario de la niñez. Más tarde, ella admitió que refleja las emociones que rodearon a su separación y crisis marital. <br/><br/>A la derecha, la parte de su persona que era respetada y amada por Diego es la Frida mexicana vestida de tehuana. En su mano sostiene un amuleto con el retrato de Diego cuando era un niño. A la izquierda, una Frida bastante más europea con un vestido victoriano de boda de encaje blanco, la Frida que Diego abandonó. Los corazones de las dos mujeres están a la vista, un símbolo que Frida usaba a menudo para expresar su dolor. El corazón de la Frida desdeñada está roto, mientras que el de la otra Frida está entero. Del amuleto que Frida sostiene sale una vena que viaja a través del corazón de las dos mujeres y es finalmente cortado por las tijeras quirúrgicas que están en el regazo de la Frida desdeñada. Desesperada, Frida trata de parar el flujo de sangre que viene de Diego, pero sigue goteando…Frida esta en peligro de desangrarse. El cielo tormentoso, lleno de nubes agitadas podría reflejar el caos interno de Frida. Sujetando su propia mano, ella es su única compañera.
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    8. 'Las dos Fridas' (1939): Poco después de su divorcio de Diego Rivera, Frida completó este autorretrato de dos diferentes personalidades. En su diario, Frida escribe que el origen de este cuadro está en sus recuerdos de un amigo imaginario de la niñez. Más tarde, ella admitió que refleja las emociones que rodearon a su separación y crisis marital.

    A la derecha, la parte de su persona que era respetada y amada por Diego es la Frida mexicana vestida de tehuana. En su mano sostiene un amuleto con el retrato de Diego cuando era un niño. A la izquierda, una Frida bastante más europea con un vestido victoriano de boda de encaje blanco, la Frida que Diego abandonó. Los corazones de las dos mujeres están a la vista, un símbolo que Frida usaba a menudo para expresar su dolor. El corazón de la Frida desdeñada está roto, mientras que el de la otra Frida está entero. Del amuleto que Frida sostiene sale una vena que viaja a través del corazón de las dos mujeres y es finalmente cortado por las tijeras quirúrgicas que están en el regazo de la Frida desdeñada. Desesperada, Frida trata de parar el flujo de sangre que viene de Diego, pero sigue goteando…Frida esta en peligro de desangrarse. El cielo tormentoso, lleno de nubes agitadas podría reflejar el caos interno de Frida. Sujetando su propia mano, ella es su única compañera.
  • 9. 'El sueño' (1940): Este cuadro a veces es llamado 'La Cama'. En esta pintura, así como en otras, se revela la preocupación de Frida con la muerte. En la vida real, Frida tenía un esqueleto de Judas en el dosel de su cama. Diego lo llamaba 'el amante de Frida', pero Frida dijo que pare ella era solo un divertido recordatorio de su mortalidad. Ambos Frida y el esqueleto están en la cama con dos almohadas cada uno bajo sus cabeza. <br/><br/>Mientras que Frida duerme, el esqueleto está despierto y vigilante. La cama parece elevarse hacia las nubes y las enredaderas bordadas en su cobertor parecen cobrar vida y empiezan a enredarse con su cuerpo. Las raíces al pie de la cama parecen haber sido arrancadas del suelo. El cuerpo del esqueleto esta enredado con alambres y explosivos que en cualquier momento pueden explotar…convirtiendo el sueño de muerte de Frida en una dura realidad. <br/><br/>En este cuadro y en otros, Frida usa el tema de Vida/Muerte… las plantas representan el renacimiento de la vida y el esqueleto representa la muerte.<br/>
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    9. 'El sueño' (1940): Este cuadro a veces es llamado 'La Cama'. En esta pintura, así como en otras, se revela la preocupación de Frida con la muerte. En la vida real, Frida tenía un esqueleto de Judas en el dosel de su cama. Diego lo llamaba 'el amante de Frida', pero Frida dijo que pare ella era solo un divertido recordatorio de su mortalidad. Ambos Frida y el esqueleto están en la cama con dos almohadas cada uno bajo sus cabeza.

    Mientras que Frida duerme, el esqueleto está despierto y vigilante. La cama parece elevarse hacia las nubes y las enredaderas bordadas en su cobertor parecen cobrar vida y empiezan a enredarse con su cuerpo. Las raíces al pie de la cama parecen haber sido arrancadas del suelo. El cuerpo del esqueleto esta enredado con alambres y explosivos que en cualquier momento pueden explotar…convirtiendo el sueño de muerte de Frida en una dura realidad.

    En este cuadro y en otros, Frida usa el tema de Vida/Muerte… las plantas representan el renacimiento de la vida y el esqueleto representa la muerte.
  • 10. 'Viva la vida' sandias (1954): La mayor parte de libros sobre Kahlo están de acuerdo en que esta es la última pintura de Frida y que ocho días antes de su muerte añadió la inscripción 'Viva la Vida - Coyoacán 1954 - México'. <br/><br/>En el libro 'Frida Kahlo - Naturalezas muertas', el autor Salomon Grimberg sugiere que 'Viva la vida' podría no haber sido pintada en 1954 y fue probablemente pintado en 1952, pero la inscripción no se incluyó en ese momento. Sintiendo que su muerte era inminente, unos pocos días antes de su fallecimiento, por última vez Frida puso el pincel en la pintura roja para añadir la inscripción y firmarla…como si se estuviera despidiendo.
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    10. 'Viva la vida' sandias (1954): La mayor parte de libros sobre Kahlo están de acuerdo en que esta es la última pintura de Frida y que ocho días antes de su muerte añadió la inscripción 'Viva la Vida - Coyoacán 1954 - México'.

    En el libro 'Frida Kahlo - Naturalezas muertas', el autor Salomon Grimberg sugiere que 'Viva la vida' podría no haber sido pintada en 1954 y fue probablemente pintado en 1952, pero la inscripción no se incluyó en ese momento. Sintiendo que su muerte era inminente, unos pocos días antes de su fallecimiento, por última vez Frida puso el pincel en la pintura roja para añadir la inscripción y firmarla…como si se estuviera despidiendo.